Hello world!

Com o gosto musical formado nos anos 80, vivi a época em que, a cada álbum, buscávamos encontrar a trilha sonora (e, por que não, a solução do mistério) de nossas vidas. Hoje, com a difusão do mp3, parecemos voltar à era dos singles e compactos, onde a canção se sobressai à obra. Entretanto, para os amantes de música surgidos entre os anos 60 e 90, o álbum, a canção dentro de seu contexto artístico, envolvida muitas vezes numa embalagem conceitual, mantém sua importância e constitui parte essencial do universo musical.

Cole Porter, Cartola, George Gershwin, Noel Rosa… Suas histórias são marcadas por suas canções e pelos artistas que as interpretam ao longo do tempo. Bruce Springsteen, Pink Floyd, Led Zeppelin, U2, Tori Amos… Essas carreiras são narradas em seus álbuns, em torno dos quais gravitam singles, shows e entrevistas, pontuando cada momento de suas vidas.

Por essas e outras, esse blog fala de música em todas as suas formas, mas o principal foco são os discos, esse obscuro (com um furo no meio) objeto de desejo.

Formado em Publicidade, Jornalismo e Direito. Ex-cinéfilo, ex-escritor de RPGs, leitor preguiçoso, viajante esporádico, amante de futebol, viciado em séries de TV e fã de música. Cultiva hábitos bizarros como comprar CDs, escrever em blogs para si mesmo, não ouvir rádio, tirar fotos das cervejas especiais que bebe e comprar mais “comics” do que é capaz de ler. Esse sou eu.

Anúncios

Minha fama de mau

Depois que assisti ao filme Minha fama de mau, saí do cinema me coçando pra descobrir o quanto dali era verdade e o quanto não era. Afinal, já estava vacinado com o Bohemian Rhapsody. A diferença é que a biografia do Queen eu já conhecia.

Dito e feito. Boa parte do filme é ficção. Na parte de “origem”, o filme é suficientemente fiel. Faz algumas adaptações aceitáveis, como o fato do Erasmo não estar no escritório quando a esposa do advogado deu o flagra, ou eles terem fugido da polícia quando roubavam o encanamento da casa em ruínas. Por outro lado, alguns eventos abordados no filme estão mais engraçados e “cinematográficos” no livro. Vai entender…

Outras mudanças acabam provocando distorção. Erasmo de fato substitua Carlos Imperial na rádio, se fazendo passar por ele. Mas isso era rotineiro e apoiado por Imperial. Erasmo Carlos já era cantor na época, mas Imperial queria que ele fosse produtor. Esse detalhe é importante porque o afastamento se deu por fato completamente distinto.

Erasmo entrou nos Snakes, que por sua vez surgiu após a implosão dos Sputniks (após a briga entre Roberto Carlos e Tim Maia), e não aquele que teve a ideia do conjunto.

A briga entre Roberto e Erasmo não provocou o fim da Jovem Guarda e nem levou Erasmo àquela depressão profunda. Eles continuaram gravando o programa, mas sem se falarem nos bastidores. Durante a Jovem Guarda, Erasmo morava em São Paulo, e ficou de fato um período perdido após o seu fim. O reboot do astral se deu quando decidiu voltar pro Rio, quando conheceu Narinha em um baile de carnaval, acompanhada por Taiguara.

E não preciso dizer que “Amigo” foi composta quase dez asnos depois do que foi mostrado no filme, né?

Bem, dito isso, ao livro.

O filme retrata muito bem o clima do livro. É a mesma linguagem narrativa. Lances rápidos, episódicos. A autobiografia lembra muito a estrutura da autobiografia de Rita Lee (lançada depois), com capítulos curtos dedicados a temas ou eventos específicos. Com isso, o livro não segue uma cronologia linear. Se ele fala de futebol, ela vai falar tudo sobre a relação dele com o Vasco. Se ele narra um encontro com Chico Buarque, ele fala de todos os causos envolvendo os dois. Há um avanço no tempo, mas cheio dessas idas e vindas.

O livro bem poderia se chamar “Festa de Arromba”, pois ele fala de muita gente: Rita Lee, Ronnie Von, Chico, Gal Costa, Simonal, Jorge Ben (com quem dividiu casa no primeiro ano em São Paulo), Julio Iglesias e muitos outros.

Sobre Roberto Carlos, dedica um enorme espaço, mas de forma bastante superficial e discreta, centrando apenas na formação da amizade e da forma como compõem juntos. Ele sabe o amigo que tem.

Discrição também é a tônica do livro no que se refere aos amigos, pois quanto a ele próprio, não se constrange em fazer revelações bem pessoais. É bem cuidadoso ao falar de Wanderléa e, curiosamente, fala de Maria Bethania sem contar o início da amizade deles. Detalhe que é a única pessoa com quem ele faz isso.

O livro ganha mais linearidade quando ele chega aos 40. Fala do Rock in Rio, das turnês, mudança da cena musical e muito da ex-esposa. Aliás, quase nada acrescenta após a morte dela, por suicídio.

Erasmo não se preocupa em fazer literatura. A linguagem é simples, como quem conta um caso na sala de estar ou compartilha lembranças com os filhos. Algumas podem ser interessantes ou divertidas apenas para os envolvidos. Ainda assim, o saldo é pra lá de positivo.

Um “bônus” do livro é o retrato do cotidiano de cada período, com ruas, armazéns, lojas, produtos e tipos urbanos. Ainda que sem ênfase, Erasmo dá boas pinceladas de crônica urbana.

Um dado curioso, pra mim, é a voz narrativa na minha cabeça. Na fase coberta pelo filme, a imagem que vinha era a do ator, não do Erasmo real. Este só aparece nos anos 70, e quando começa a destrinchar os encontros proporcionados pelo show buisness. Mais maduro, me vinha à mente o saudoso Zeno, pai do meu amigo Carlos Klimick. Sei lá por que cargas d’água eu sempre fiz essa associação: o jeito de olhar, de mexer a boca, o corpanzil. Vai entender…

RINGO

 

A biografia escrita por Michael Seth Starr (“não somos parentes!”), infelizmente, trata-se apenas de uma longa reportaqem escarafunchando tudo o que já foi publicado sobre Ringo Starr. Nem o biografado nem ninguém próximo a ele foi entrevistado exclusivamente para o livro. As entrevistas feitas pelo autor se limitam aquelas feitas com pessoas periféricas ou cuja proximidade ocorreu em algum lugar do passado. Portanto, nada de revelações bombásticas ou insights reveladores. Contudo, a pesquisa é muito bem feita e vale a leitura.

Em primeiro lugar, por ser o menos badalado dos quatro Beatles, a maior parte da sua vida pessoal soa como notícias fresquinhas. Ringo não era exatamente um Don Juan, mas fazia suas farras. E teve três relacionamentos mais sérios na vida, e dois casamentos. E esticou o Lost Weekend de Lennon por quase 15 anos. E nisso podemos encontrar uma surpresa.

Quem conhece os problemas de Ringo com o álcool, logo pensa que foi devido ao pouco sucesso de seus discos ou de sua carreira como autor, ou ainda a sua pouca criatividade, que eles mesmo reconhece. No entanto, ao ler sobre sua vida nos anos 70, chegamos a outra conclusão: seu ostracismo se deveu ao seu alcoolismo, e não o inverso.

Ringo vinha de dois bons discos, Ringo (73) e Goodbye Vienna (74), respectivamente o 3° e 4° da carreira; havia dirigido um documentário sobre o T.Rex e atuado em um filme elogiado, That’ll be the day, que também contava com Keith Moon. Apesar da critica positiva, teve preguiça de participar da sequência, Stardust. Mas o desleixo com que passou a gravar seus discos e escolher seus projetos cinematográficos, pensando mais no quanto iria se divertir, começou a queimar toda a gordura de boa vontade que a mídia e o público tinham com ele. Pra piorar, vieram os terríveis anos 60, que feriu de morte, com raras exceções, os artistas que começaram suas carreiras nos anos 60. Rolling Stones, George Harrison, Jethro Tull, Paul McCartney, Pink Floyd, Bob Dylan, Elton John, a maioria passou por um inferno astral no período. Inclusive no Brasil. No cinema, Ringo ainda obteve um sucesso com Caveman, onde conheceu sua segunda esposa, Barbara Bach, mas precisou de uma baba durante as filmagens pra não enfiar o pé na jaca.

Em 1988, Ringo e a esposa entraram num spa de reabilitação (que funcionou!) e ele recuperou a dignidade e a simpatia da mídia com o lançamento americano da série infantil do trenzinho Thomas, de cuja versão britânica ele havia sido o dublador da primeira temporada (e não continuou porque não quis). Quanto à carreira fonográfica, apesar das críticas bastante positivas ao seu retorno em 1992 com Time Takes Time, o álbum não vendeu. Mas as turnês com a All-Starr Band, iniciadas em 1989, a partir da iniciativa do produtor David Fishof, que praticamente definiu o que o sóbrio Ringo faria até o final da vida.

Em segundo lugar, depois ler biografias de Paul e John, e assistir ao documentário sobre George, foi curioso revisitar o período dos Beatles do ponto de vista daquele que sentava atrás da bateria. Nessa parte, que toma bastante espaço no livro, já se sabe de antemão tudo o que vai acontecer, mas é divertido ver os outros três como figurantes, ainda mais sabendo o que eles estavam aprontando naquela época.

No que diz respeito ao relacionamento de Ringo com os três após a separação, fica evidente o apoio que os três sempre deram à carreira do amigo, principalmente George, no início. Mas John também foi muito generoso. Ringo foi o último Beatle a ver com John com vida. Ele e Barbara estiveram no Dakota um mês antes para falar do próximo álbum de Ringo, uma vez que John havia voltado à música. Ringo conta como ele estava feliz e que separou duas músicas para o amigo: Nobody told me e Life begins at 40. Lennon deixou agendadas datas em janeiro de 1981 para as gravações.

Em terceiro, como costuma ocorrer nessas biografias, o período mais instigante é o pré-fama. Como a pessoa ainda não é famosa, ela vive em aberto, sem se preocupar em se preservar ou falar e fazer besteira em público. E os amigos e conhecidos que ficaram pra trás não se importarão em se sentir importante ao dar entrevistas sobre aquele conhecido famoso.

Por fim, a parte técnica de Ringo é comentada ao longo do tempo. Ringo sofre muito com críticas. Ele se reconhece como uma pessoa pouco criativa e de técnica limitada, mas sabe o seu valor. Por ser autodidata, acabou criando um estilo próprio e até mesmo técnicas próprias que, devido ao impacto causado pelos Beatles, passou imitado por uma legião de jovens bateristas. E todos são unânimes em exaltar a capacidade rítmica do Baterista Mais famoso do Mundo, preciso como um metrônomo. Hoje, Ringo é mais reconhecido por seus pares do que foi nos anos 60, 70 e 80. No final do livro, há um epílogo com depoimentos de Phil Collins, Max Weinberg, John Densmore e Kenny Aronoff.

 

Minha fama de mau

Na preguiça de me deslocar até um bom restaurante para celebrar meu aniversário a dois, decidi na última hora ver Minha fama de mau, baseado na autobiografia do Erasmo Carlos. Ênfase no baseado, por favor.

Depois de Bohemian Rhapsody, parece que virou moda de vez tratar biografia como obra de ficção, haja vista Marighella. Com o Tremendão não é diferente.

Dito isso, assim como o filme do Queen, Minha fama de mau funciona muito bem como filme. Parafraseando o nosso guia em visita a Windhoek, é tão bom que nem parece cinema brasileiro.

O estilo faz lembrar aqueles filmes britânicos ousados dos anos 90. A direção é muito boa e com uma linguagem pop de altíssimo nível, misturando quadrinhos, imaginação, realismo.

Dizer que Chay Suede convence como Erasmo é pouco. Ele brilha, reinventa e toma posse de um personagem real e célebre. Não se trata aqui da transfiguração de Val Kilmer e Rami Malek, mas de um Christopher Reeve ou de um Morgan Freeman.

Gabriel Leone também não se acovardou ao vestir a pele do Rei. E Bruno de Lucca surpreende no papel do escorregadio Carlos Imperial. O elenco como um todo emoldura bem o o universo do protagonista, sem desequilíbrios. Quem aparece dá o seu recado a altura.

Pra não dizer que só falei de flores, a última cena destoa do resto. Típica cinema nacional ou especial da Globo. O recorte do filme, tendo em vista a longa vida do biografado, é bastante curto. Então não há um final propriamente dito. Ao contrário de Bohemian Rhapsody, o roteirista não conseguiu encaixar um bom gancho para fechar a história, optando por uma cena desgarrada e narrativamente forçada e frouxa.

Mas o deslize é rapidamente varrido pra debaixo do tapete pelos créditos finais com filmes caseiros do Tremendão em família.

Por falar em créditos, filme brasileiro tem tantos produtores e patrocinadores, que a apresentação deles no início do filme faz lembrar a época em que toda a ficha técnica vinha no início. E nada do filme começar…

Silvia Pérez Cruz no Blue Note, Rio de Janeiro, 18/04/2018.

Se não fôssemos ao show do Jorge Drexler, nunca teríamos ficado cientes da presença dessa magnífica cantora catalã em nossas terras. Drexler não só a chamou ao palco para três canções (uma delas, solo), como também fez questão de fazer propaganda do show na semana seguinte. Comprei os ingressos na mesma noite.

O Blue Note é pra lá de inadequado. Não só insiste no irritante modelo antimusical das mesinhas, como o espaço entre as cadeiras é constrangedoramente apertado. O som, pelo menos, é ótimo, mas você escuta com a mesma nitidez o cara com coqueteleira detrás do balcão.

Silvia chegou chegando. Falando um português melhor que o amigo Drexler (o que era esperado, pois ela canta em espanhol, catalão e português), esbanjou simpatia, boniteza, timidez sedutora e, o mais importante, a belíssima voz.

Assim como Drexler, deixou a plateia babando ao contar a noite na casa de Caetano com todos tocando e cantando.

Com forte influência flamenca, Silvia transita principalmente pela música popular, adaptando-se facilmente à bossa-nova, ao samba, ao fado e à chanson (sim, ela nos brindou com uma palhinha de Piaf), mas seus discos contém muito experimentalismo, costumeiramente acompanhada por músicos nada tradicionalistas.

Silvia explorou pouco seu repertório autoral, sempre apresentado solo ao violão. Aos poucos foi chamando seus amigos brasileiros para tocar com ela. Marcelo Caldi (Farra dos Brinquedos) na sanfona, André Vasconcellos no baixo acústico, Rafael dos Anjos no violão e Hamilton de Holanda no bandolim. Também tocou um outro violonista (muito interessante) do qual só peguei o sobrenome, Delgado, mas que não era da mesma tchurma. Todos os demais acabaram se juntando em uma superbanda, com Hamilton debandando mais cedo.

Com seus amigos, Silvia preferiu apostar num repertório conhecido do público para mostrar seu lado intérprete. Elencou canções standard, tipo Asa Branca, Carinhoso, Chega de Saudade. Mas, como de convencional Silvia tem pouco, o karaokê logo virava improvisações jazzísticas com sotaque flamenco. E aí mostrou uma versão definitiva para Não deixe o samba morrer.

Se as canções eram batidas para nós, ela parecia se divertir com a possibilidade de cantar tal repertório em um show. Isso dava um raro frescor a algumas canções. Foi mais ou menos o que passou pela minha cabeça ao ver o disco Carminho canta Tom Jobim: para ela, isso deve ser uma aventura.

O show teve dois momentos de êxtase. O primeiro, o dueto com Hamilton de Holanda em Currucucucu Paloma, que ela já havia feito (só soube agora) com ele no Baile do Almeidinha, em 2016, no Circo Voador. Com Jorge Drexler, uma semana antes, ela tinha cantado a mesma música numa versão mais comportada. Com Hamilton, a performance se tornou aqueles momentos mágicos que você simplesmente agradece à vida por ter presenciado (é o vídeo que eu posto aqui).

O segundo momento é no bis, quando ela fica na dúvida do que fazer, as pessoas (inclusive eu) começa a pedir canções do repertório dela, ela se emociona, começa um Acabou Chorare (pedido por alguém) a capella, emenda com Eu sei, da própria lavra, e vai emendando em outras.

Enfim, uma noite fantástica que eu espero que se repita outras vezes.

Queen, antes e depois.

Em um final de semana assisti ao (salvo engano) mais antigo show do Queen lançado em DVD e ao mais recente: Queen Live at the Rainbow ’74 e Hungarian Rhapsody: Queen Live in Budapest.

O primeiro registra as duas noites no Rainbow, em Londres, no encerramento da leg britânica da Sheer Heart Attack Tour, em 1974. Em seguida a banda partiria para o continente e, no ano seguinte, para a sua segunda temporada nos EUA. Freddie Mercury ainda não tinha saído do armário (embora sua performance fosse mais afeminada do que a dos anos 80) e eles alcançavam seu primeiro big hit com Killer Queen.

No segundo, o Queen toca pela primeira vez do outro lado da Cortina de Ferro, em Budapeste, o que na época era um acontecimento. É o último registro de um concerto do Queen. O de Wembley foi filmado duas semanas antes. Ambos são parte da curta Magic Tour, iniciada em junho de 1986 e encerrada em início de agosto. Devido às críticas ao vídeo de I want to break free nos EUA, Freddie se recusou a tocar no país novamente. Por isso, a última apresentação do Queen na América do Norte foi em setembro de 1982 com a Hot Space Tour. Mas pode haver outros motivos para a curta temporada.

Oficialmente, Freddie foi diagnosticado com Aids em abril de 1987, mas os primeiros rumores surgiram em outubro de 86. E o cantor já vinha apresentando problemas de saúde e falhas na voz há um ou dois anos. É possível que ele já estivesse bolado.

No show de 74, os quatro já apresentam grande domínio de seus instrumentos e muita preocupação com o aspecto visual e teatral da performance. Os movimentos parecem milimetricamente ensaiados. Cabeludo, de rosto liso e mais falante com o público, Mercury já é um showman, mas é possível sentir ainda alguns movimentos ensaiados. O que mais chama a atenção é oi contraste entre o vozeirão roqueiro e rascante com a figura espalhafatosa e delgada do cantor.

Doze anos depois, vemos Freddie mais marombado, pulando e dançando pelo palco com a desenvoltura de quem entra em casa e chega ao quarto sem precisar acender a luz da casa. O visual é aquele que ficou pra história, o cabelo curto e o bigodão. A voz, porém, já não é a mesma. É possível perceber falhas, dificuldade em sustentar algumas notas e falsetes. Mas ele dribla bem as dificuldades com sua experiência.

Difícil dizer, na época, se era a saúde ou a falta de preparo de saracotear e ainda ter fôlego para cantar. Afinal, Freddie estava para completar 40 anos, e muitas cantoras jovens de hoje recorrem ao playback e backing vocals para não deixar a peteca cair.

O mais interessante foi assistir a dois excelentes shows com apenas três músicas repetidas: Seven Seas of Rhye, In the Lap of the Gods… Revisited e Now I’m here.

(Curioso que, se compararmos ambos os setlists com o Queen Rock Montreal, em 1981, da turnê do The Game, há três músicas do Rainbow e novo de Budapest, e apenas uma presente nos três: Now I’m here.)

Nos extras do DVD do Rainbow, há três faixas do show no mesmo palco e no mesmo ano, mas em 31 de março, antes do Queen partir pela primeira vez aos EUA pela Queen II Tour. A imagem está bem estourada.

Imperdível mesmo é o extra de Budapeste, o documentário A Magic Year, de 26 minutos, que mostra os doze meses da banda entre a apresentação no Live-Aid até o encerramento da turnê no Knebworth Park, em 9 de agosto. O documentário é uma delícia, mostrando cenas dos quatro, individualmente, passeando por Budapeste, e entrevistas com Freddie Mercury. Acho que eu nunca havia visto tanto o rosto do John Deacon… ou sequer ouvido a voz dele!

Bohemian Rhapsody, o filme

Akira, Ready Player One e V de Vingança são exemplos de obras cujas versões cinematográficas contam a mesma história, só que de uma forma completamente diferente (V se afasta menos do original que as duas primeiras). Esse é o caso do filme Bohemian Rhapsody em relação à história do Queen, ou de Freddie Mercury.

O filme é fiel à música e ao espírito do grupo, mas quem o assistir ficará sabendo muito pouco sobre a história da banda. Se for ficar falando tudo que está errado ou fora da ordem cronológica, esse texto vai ficar maior do que o roteiro do filme. Então, para ser breve, vou me limitar a listar os fatos mostrados no filme que realmente ocorreram mais ou menos da forma como ocorreram.

Freddie desenhou a logo da banda e criou o nome.

Mary Austin viveu com Freddie; eles se separam após ele revelar a ela sobre sua sexualidade; e eles continuaram amigos, sendo ela uma pessoa muito importante para ele.

Eles passaram três semanas em uma fazenda ensaiando as músicas de A night at the opera.

Bohemian Rhapsody foi tocada na rádio pela primeira vez no programa de um conhecido DJ amigo de Freddie.

Jim Beach era o advogado e se tornou o empresário da banda.

Freddie entrou numa onda de festas nababescas e de arromba, com muito sexo, drogas e álcool. Ao mesmo tempo, era bastante reservado sobre sua vida privada e nunca quis posar de ícone gay.

O show no Live Aid foi apoteótico, muito importante para a continuação e união da banda, e Freddie, no dia, enfrentava problemas de garganta. O volume da mesa de som foi aumentado por um membro da equipe.

Freddie começou a namorar um homem chamado Jim Hutton em 1985, que ele havia conhecido brevemente dois anos antes.

Pronto. Agora posso falar sobre o filme em si.

O filme é divertido, engraçado e emocionante. Os atores estão bem, particularmente os empresários e os intérpretes de Brian May, John Deacon e Mary Austin. Quando ele começa a tocar We are the champion no filme, praticamente fui às lágrimas. Pena que não tocaram o show todo. Faltaram Crazy little thing called love e We will rock you. Não entendi a ausência dessa última devido o destaque dado à composição dela no filme.

Os fatos que antecederam ao Live Aid são inteiramente ficcionais, mas, como roteiro, funcionam muito bem como preparação para o clímax.

Curiosamente, a biografia da banda escrita por Mark Blake começa da mesma forma que o filme: a apresentação no Live Aid. Não deve ser coincidência. Tive a impressão que o grupo que passa por Freddie ao subir ao palco é o U2. Eles não estariam ali, pois entre o U2 e o Queen teve a apresentação do Dire Straits (no final, quando retornam ao show, é possível ouvir o Dire Straits tocando). A furtiva homenagem não é casual: os irlandeses e o Queen foram considerados os dois maiores “vencedores” do evento. Além disso, reza a lenda que Mercury se chegou todo animado pra cima do Bono no backstage.

Geralmente esse tipo de filme dá bastante destaque ao surgimento da lenda: o início da banda, as dificuldades iniciais até o breakthrough. No caso do Queen, tudo é contado muito rápido. Afinal, há muito história ainda pela frente. A história do Queen e Freddie Mercury renderia fácil dois filmes: um até Bohemian Rhapsody explodir nas rádios; e outro até a morte de Freddie, com, o gran finale no tributo a sua homenagem. Ou mesmo 3, com o segundo abordando até o Live Aid. Como, em um único filme, não dá pra contar a história toda, fizeram muito bem em terminar no Live Aid, e, dramaticamente, ficou excelente antecipar a descoberta da doença. Freddie foi diagnosticado como HIV-positivo em 1987, embora já desconfiasse que as coisas não iam bem pelo menos desde o ano anterior, e enfrentasse problemas de saúde, creditados aos excessos, ainda antes disso.

Sobre o palco, Rami Malek está muito bem como Freddie Mercury. Fora dele, pareceu o tempo todo incomodado com os dentes, como se a boca lutasse contra eles, prestes a expeli-lo. Isso me desconcentrou bastante.

Madeleine in Rio

Madeleine Peyroux está longe de ser uma grande entertainer, mas conquista com sua simplicidade de quem entra para cantar como se estivesse no pub da esquina. Já os outros componentes do trio, o guitarrista Jon Herington e o baixista Barak Mori esbanjam carisma, além de garantir uma solidez sonora que transforma qualquer bobagem musical em um clássico do jazz.

O setlist também está longe de contemplar os grandes sucessos para agradar ao público. Madeleine canta o que quer, como todo bom artista deve fazer. Seu único erro, a meu ver, foi logo na segunda música desfiar uma série de alfinetadas musicais contra Donald Trump. Não que me incomode em fazê-lo, mas apenas uma canção é pouco para criar um clima de intimidade com a plateia para embarcar nesse tipo de brincadeira.

Assim, o show decolou lá para quinta ou sexta canção, quando manda uma inusitada versão de Getting Better, dos Beatles, e canções como I ain’t got nobody e You can’t catch me. O repertório incluiu uma bela canção argentina e duas brasileiras (Corcovado e Água de Beber), com o espanhol dela soando melhor que o português. Aliás, Madeleine fez questão de traduzir todas as suas falas para o português. Cantou melhor do que falou, naturalmente.

No meio da apresentação, um pequeno descanso para os músicos, e ela emenda um longo e cativante medley ao violão, que inclui uma canção em francês, J’ai deux amours, e Trampin’. Os músicos voltam com uma vibrante Shout, Sister Shout e o novo set termina com um tiro certo: sua versão para Dance me to end of love, de Leonard Cohen. A saída protocolar é seguida de um emocionante bis com, salvo engano, duas canções.

Já havia reparado no Youtube… Estranhamente, Madeleine Peyroux soa melhor para mim nos discos do que ao vivo. Nada a ver com a voz, excelente, ou os arranjos, igualmente excelentes. Há algo na sua presença de palco que parece querer negar o glamour das divas do jazz. Nesse ponto, o Teatro Municipal do Rio de Janeiro não poderia ser palco melhor para a sua apresentação. Uma casa que garante charme a qualquer espetáculo e que, ao mesmo tempo, permite que o público veja os músicos nos olhos, os escute como se não houvesse nenhum aparato eletrônico a intermediar o som entre artista e plateia. Enfim, uma noite absolutamente agradável.